Até o dia 14 de setembro de 2025, a Galleria Borghese (Roma) apresenta, pela primeira vez na residência do Cardeal Scipione, uma exposição individual da artista queniana-americana Wangechi Mutu, intitulada Black Soil Poems, com curadoria de Cloé Perrone.
A exposição é viabilizada graças ao apoio da FENDI, patrocinadora oficial da mostra. Concebida como uma intervenção específica para o local, se desdobra pelas galerias internas, pela fachada e pelos Jardins Secretos do museu. Ela desafia a tradição clássica por meio de suspensões, formas fragmentadas e mitologias recém-imaginadas, estabelecendo um diálogo multifacetado entre a linguagem contemporânea da artista e a autoridade simbólica da instituição.
O título evoca a dualidade da prática de Mutu: poética e mitológica, mas profundamente conectada aos contextos sociais e materiais contemporâneos. “Black soil”, rico e maleável sob a chuva, quase como argila, aparece em diversas geografias, inclusive nos Jardins Secretos da Galleria Borghese, que ressoam com a imaginação da artista. A partir desse solo, as esculturas parecem emergir, como se moldadas por uma força primordial, dando forma a histórias, mitos, memórias e poemas. A metáfora ressalta o poder gerador e transformador de sua obra: enraizada na materialidade, mas aberta a múltiplas interpretações futuras.
A intervenção de Wangechi Mutu introduz um novo vocabulário na arquitetura histórica e simbólica da Galleria Borghese @galleriaborgheseufficiale . Por meio da escultura, da instalação e da imagem em movimento, a artista propõe uma abordagem inovadora ao espaço do museu — uma que desafia a hierarquia, a permanência e o significado fixo. Suas obras questionam o peso visual e a autoridade da coleção por meio de estratégias de suspensão, fluidez e fragmentação. Ao fazer isso, o museu deixa de ser apresentado como um recipiente estático de objetos, passando a ser um organismo vivo, em contínua transformação, moldado pela perda, adaptação e reconfiguração.
“Um mundo e um tempo fragmentados, cujos materiais são observados com ressonância metafórica: A obra de Mutu na Galleria Borghese nos encoraja a olhar com mais intensidade e atenção não só a criatividade contemporânea, mas também o espaço e as obras do Museu. Levantando ou baixando o olhar, nos encontramos com as esculturas e instalações de Mutu, que não interrompem a visão da coleção permanente, mas enriquecem a experiência do visitante, remetendo para uma tentativa de estabelecer uma relação com a história do lugar. Elas nos convidam a procurar espíritos, fantasmas, transformação e poesia, a não nos pararmos no visível ou mesmo no nosso horizonte e na sua beleza habitual”, afirma Francesca Cappelletti, Diretora da Galleria Borghese.
A exposição se estrutura em duas seções complementares. Dentro do museu, Mutu reconsidera radicalmente a orientação espacial: suas esculturas nunca obscurecem a coleção Borghese; ao contrário, aparecem como adições sutis, presenças leves que pairam no ar, flutuam suavemente ou repousam sobre superfícies horizontais. Obras como Ndege, Suspended Playtime, First Weeping Head e Second Weeping Head desafiam a lógica gravitacional, pendendo delicadamente dos tetos e criando novas linhas de visão. Esse ato de suspensão não é apenas formal: introduz uma mudança nas narrativas históricas e nas hierarquias materiais. O campo visual do museu é redesenhado, abrindo novos modos de percepção ao nosso olhar.
Os materiais — bronze, madeira, penas, terra, papel, água e cera — são centrais para a essência da exposição. O bronze, em particular, é despojado de suas conotações tradicionais para se tornar um elemento de memória ancestral, de recuperação e de multiplicidade. Ao inserir substâncias orgânicas, fluidas e mutáveis em um contexto tradicionalmente dominado por mármore, estuque e superfícies douradas, a artista reafirma uma poética da transformação e do vir a ser, antecipando assim um tema que será central no programa expositivo do museu em 2026: a metamorfose.
Black Soil Poems nos convida a ir além de perspectivas fixas, deslocando nosso olhar para permitir a coexistência de múltiplas narrativas e revelando o museu não apenas como um espaço de memória, mas como um local de imaginação e transformação. As intervenções de Wangechi Mutu @wangechistudio nos incentivam a habitar o museu de forma diferente, a olhar não apenas para o que está exposto, mas também para o que foi removido, silenciado ou tornado invisível.
Do lado de fora, na fachada do museu e nos Jardins Secretos, uma série de esculturas de bronze ocupam a paisagem: The Seated I e The Seated IV, duas cariátides contemporâneas originalmente criadas para o museu Metropolitano de Arte de Nova York em 2019, como parte do The Facade Commission, marcam um momento significativo de engajamento entre a artista e uma grande instituição pública. Também estão presentes Nyoka, Heads in a Basket, Musa e Water Woman, bronzes que reinterpretam vasos arquetípicos como locais de transformação. Com The End of Eating Everything, Mutu expande sua linguagem escultórica para o vídeo, adicionando uma dimensão temporal e imersiva à sua contínua exploração do mito. Essas obras introduzem novas formas híbridas — parte humanas, parte mitológicas, parte recipientes simbólicos — baseadas em tradições da África Oriental e em cosmologias globais, como se emergissem de um solo simbólico. Em sua ocupação dos jardins e dos fins arquitetônicos, elas oferecem um contrapeso à ordem clássica do local, desafiando a forma idealizada e a narrativa linear em favor da ambiguidade, da alteridade e da presença espiritual. O som, seja explícito ou implícito, e seus vestígios desempenham um papel sutil, porém persistente, na exposição: desde o ritmo suspenso de Poems by my great Grandmother I até as letras presentes em Grains of War, extraídas da música WAR de Bob Marley, que faz referência a Haile Selassie, último imperador da Etiópia (1930–1974) e figura central nos movimentos anticoloniais, cujo discurso de 1963 nas Nações Unidas clamava pelo fim da injustiça racial. A linguagem torna-se escultórica, e o som, uma forma de memória.
A exposição continua na Academia Americana em Roma, onde está em exibição Shavasana I. Esta figura de bronze, deitada e coberta por palha trançada, recebe o nome da pose de ioga “shavasana” (posição do cadáver) e é inspirada por um incidente da vida real. Sua colocação no átrio da Academia, cercada por inscrições funerárias romanas antigas, amplia os temas da morte, da entrega e da dignidade da vida.
Com esta exposição, a Galleria Borghese reafirma seu compromisso com a arte contemporânea, dando continuidade a mostras recentes como Giuseppe Penone Universal Gestures (2023) e Louise Bourgeois Unconscious Memories (2024) promovendo novas formas de ver o espaço, enriquecidas por conexões e perspectivas inéditas por meio da visão de uma grande artista internacional.
O Programa Público da exposição, intitulado Esistere come donna, é organizado pela Electa com a Fondazione Fondamenta e é desenvolvido com parceiros institucionais, através de diálogos e conferências, os temas explorados na exposição.
SOBRE FENDI
A casa FENDI @fendi foi fundada por Adele e Edoardo Fendi em Roma, em 1925. Em seguida, foi aberta a primeira boutique FENDI, uma loja de bolsas e uma oficina de peles. Logo ganhando aclamação internacional, a FENDI emergiu como uma marca reconhecida por sua elegância, habilidade, inovação e estilo. Chamada pelas lendárias cinco irmãs Fendi, a colaboração com o falecido Karl Lagerfeld começou em 1965 e durou 54 anos. Em 1992, Silvia Venturini Fendi o sucedeu na Direção Artística; em 1994, ela assumiu a direção de Acessórios e, mais tarde, de Moda Masculina. Em 2000, o Grupo LVMH adquire a FENDI, tornando-se em 2001 seu acionista majoritário. Nomeada em 2020, Kim Jones ocupou o cargo de Diretora Artística de Alta Costura e Moda Feminina até 2024. Desde 2020, Delfina Delettrez Fendi, quarta geração da família Fendi, é Diretora Artística de Joalheria. Hoje a FENDI é sinônimo de qualidade, tradição, experimentação e criatividade.
SOBRE WANGECHI MUTU
A obra de Wangechi Mutu lida com a própria ideia de representação humana, como percebemos e reproduzimos imagens do que acreditamos ser, como enxergamos os outros e criamos imagens do que pensamos deles. Em seu diálogo contínuo com a figuração, a artista questiona os sistemas de valor na arte e além dela, que obscurecem ou elevam nossa imagem e nossas reflexões. Reconhecida internacionalmente por uma prática que abrange diversas técnicas e meios, incluindo escultura, pintura, cinema, instalação e colagens, as obras de Mutu apresentam criaturas híbridas femininas e sonhos vividos e distópicos.
Mutu participou de diversas exposições individuais em instituições de todo o mundo, incluindo recentemente “Wangechi Mutu: Intertwined” tanto no New Museum em Nova York (2023) e Museu de Arte de Nova Orleans (2024); “Thinking Historically in the Present” na Bienal de Sharjah, Emirados Árabes Unidos (2023); “Wangechi Mutu” no Centro de Arte Storm King, Nova York (2021) ; “The Façade Commission: Wangechi Mutu, The New Ones, will free Us” no Museu Metropolitano de Arte, Nova York (2019-2020) ; e “Wangechi Mutu: I Am Speaking, Are You listening?” no Museu de Belas Artes de São Francisco e Museu da Legião de Honra (2021).
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